Las muertes - Centro Cultural de la Cooperación

Las muertes

De Fabiana Rey

Centro Cultural de la Cooperación

Corrientes 1543, CABA

Sábados 23hs

Por Pamela S. Terlizzi Prina

Las muertes, de Fabiana Rey, viene a demostrarnos que no está perdida la batalla de la poesía. En una actualidad donde parece que ya no hay sitio para la espesura y la densidad de Olga Orozco, Las muertes no sólo instala su poética, sino que encuentra grandes aciertos escénicos dignos de mención.

En primer lugar, no será imprescindible ser un espectador avezado en la obra de la Orozco. Y esto se logra, particularmente, en la honestidad de la puesta. Rey no ha buscado formular un sentido narrativo, explicarnos la historia de los personajes, hilar los versos forzando un argumento que no existe. Toda la energía está centrada en el drama, en la infinita belleza estética de los cuadros.

La obra es absolutamente destacable visualmente. Los actores aguardan la ubicación de los espectadores ya instalados en el escenario, haciendo labores mínimas que contribuyen con la construcción del clima. Se oyen sonidos pequeños, se ven movimientos lentos, mecánicos que provocan una densidad en la atmósfera de la sala que anticipa una obra que no defrauda.

“Mi nombre era Andelsprutz,

infortunada hija de Akla muerta en el cautiverio.

Treinta guirnaldas fueron en mi frente la promesa y el llanto de mi madre.

Treinta guirnaldas fueron los treinta aniversarios en que el conquistador velaba iluminado

[por la luz de su espalda.”

Así comienza Fabiana Rey, en un trabajo de voces que merece particular atención. Lo mismo ocurre con la sutil música de fondo que acompaña alguno de los relatos. Solamente un cello se ocupa de acentuar el tono trágico de los versos.

Andelsprutz, Carina, Evangelina, Carlos Fiala, Lievens, Christoph Detlev Brigge, son algunos de los textos que van tomando cuerpo en manos de la misma Fabiana Rey, Gimena Lima, Cristina Piña y Nicolás Magnin. Mereciendo especial consideración las interpretaciones de Piña y Magnin.

Una obra impecable, intensa, de alto impacto visual, que desafía las fronteras entre poesía y teatro, que se ocupa de los detalles mínimos, cuidando el clima, la fidelidad con la obra de Olga Orozco, que nos sumerge en un estado emoción y estremecimiento constante, que provoca una pausa de cuarenta y cinco minutos en la vorágine y la liviandad. Una obra que no defrauda, que genera ganas de sentarse a escribir a poesía.

Ficha técnica:

Autor del texto: Olga Orozco

Intérpretes: Gimena Lima, Nicolás Magnin, Cristina Piña y Fabiana Rey

Música y sonorización, Cello: Olga Farías

Visuales: Santiago Giralt

Fotografía de prensa: Carmen Almarza

Asesoramiento en vestuario: Florencia Fernández Feijoó

Asistencia en dirección: Alejandro Esteban Jaimes

Concepto y dirección general: Fabiana Rey

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Efectos colaterales - Pablo Besarón

En clave de supervivencia

Efectos colaterales

Pablo Besarón

Ediciones Simurg, 2013

Cuento, 120 páginas

Por Pamela S. Terlizzi Prina

“Azar es una palabra vacía de sentido, nada puede existir sin causa”, decía Voltaire, y con esta lógica Pablo Besarón despliega sus “Efectos colaterales”. Además, cabe señalar, los efectos no son otros que los de la muerte. Y esa muerte se resignifica en cada relato. Causa y efecto son pliegues de la misma vestidura, tal como ocurre con los personajes de Besarón que, una vez puestos en marcha, tienen la habilidad de ocupar el propio lugar y aquel otro que la historia les mande ocupar. Dicho en palabras de Arturo Uslar Pietri, “el hecho más importante de la historia es el mismo de la biología, es que el hombre se muere como todos los demás seres vivos”, y sabiendo esta verdad incontrastable, Besarón desarrolla una técnica pulida, controlada, donde las palabras nunca sobran, con la que logra un tono inmutable para contar el drama, reforzando con maestría el espanto.

En términos de lo dicho, merecen especial atención “Parientes”, “Noticias sobre Cevares”, e “Ida y vuelta”. En estos cuentos la fatalidad es un atributo que subyace en lo narrado, y tanto es así que el proceso de sustitución resulta tan natural como la misma muerte. Natural en la narración y natural para el resto de los personajes: “La muerte de un familiar trae esas cosas… El eslabón perdido (el muerto) hace que la cadena se deshaga. Se cree que la desaparición puede ser colmada, pero no siempre es así; aunque en esta historia quizá sí se pueda restituir el eslabón perdido, quién sabe”.

Solventado mayormente en la estructura del cuento clásico, Besarón logra historias que, por sobre todas las cosas, ponen lo familiar, lo humano, lo cotidiano como escenario principal. “Era una ciudad sucia, aunque tenía su poesía ver desparramadas bolsas grises, vidrios rotos, chicles en el piso, caballos de linyeras... La ciudad es una mezcla de ambulancias de emergencias, pulóveres emparchados, medias cosidas y desechos para cartonear, pensó.” En esa absoluta humanidad se encierra lo siniestro de sus relatos; allí es donde la línea que separa lo real de lo fantástico aparece confusa, ambigua. Besarón nos propone convivir tan domésticamente con lo sobrenatural que no produce estridencias de género: “…Se perdió el embarazo fueron las simples y categóricas palabras de Mabel en la semana diez de gestación… El tiempo pasó, no tuvieron hijos, pero Olegario, en un pacto secreto con el feto, lo alimentó, lo hizo crecer, le dio alas para que saliera al mundo.”

Cabe destacar, además, “Noche de reyes (Papábueno, Papámalo)”. Un acápite con un fragmento de La República de Paltón antecede este texto que entiende el fenómeno de sustitución desde un lugar diferente al del resto de los cuentos que integran el libro, es decir, desde la vida. Con notable destreza para el registro, una ironía aguda, una impecable técnica narrativa, Besarón muestra que lo verdaderamente monstruoso habita, en realidad, en el seno de cualquier familia: “Salir de la pieza a la escalera. Mezclado con el televisor, algo confuso en voz baja. No eran murmullos, no era un diálogo bajito, era bufidos de lamento en una tarea que llevaba esfuerzo. Parecía la voz de papámalo, y también de la tíamalita, respirar profundo, contener el aire, bajar escalones, pocos… por la pared frente a la escalera se vieron sombras que se violentaban de buena gana. Parecían (pero no sé) papámalo (papábueno) y la tíamaleta que hacían lo que hacían más veloz hasta que se apagaron, pararon los raros sonidos y las sombras se separaron, Urielito quieto como una momia…”.

Un libro ágil, con clara unidad, atravesado por la más vulgar de las perversiones: la humanidad.

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Cuánto es mucho para mamá - Teatro Korinthio

Cuánto es mucho para mamá

de Clara Anich

Korinthio Teatro

Mario Bravo 437, CABA

Sábados 21hs - Sólo con reserva

Por Pamela S. Terlizzi Prina

Imposible no evocar a Alejandro Doria y su mítica “Esperando la Carroza”. Porque Cuánto es mucho para mamá, la obra de Clara Anich, dirigida por Jorge Brambati es una comedia negra que cumple con todos los requisitos del género y nos abre la puerta a la sordidez de la tragicomedia costumbrista.

La historia nos cuenta el peculiar duelo que hacen dos hermanos tras el suicidio de su madre. Las mezquindades, las culpas, las intenciones ocultas, los parientes oportunistas y los secretos de familia logran un escenario enrevesado con las dosis justas de drama y humor, de ridículo y melancolía.

Con un texto jugoso y extenso, cada personaje encuentra el momento para brillar, aunque será oportuno señalar la labor de Silvina Quintanilla. Es destacable, además, la fusión de la puesta costumbrista con herramientas escénicas de teatro de corte experimental, logrando por momentos, una estética innovadora y atractiva. También es notable la música de Ofelia Plantade – Ey Pacha! y el trabajo de iluminación de Marcelo Salvioli y el director.

Una comedia donde el llanto se mezcla con los sanguchitos del catering y los rituales de despedida con la confección de un inventario, porque como se señala en la obra “los bollitos blancos apretados en las manos no son pañuelos de llanto, son los trapitos de mamá que empiezan a salir al sol”.

Ficha Técnica

Elenco: Silvina Quintanilla, Ariel Ragusa, Agustina Altieri Pan, Natalia Rey y Marcos Fernández

Dramaturgia: Clara Anich

Dirección: Jorge Brambati

Asistente de Dirección: Claudia Acosta

Música Original: Ofelia Plantade - Ey Pacha!

Vestuario: Cecilia Carini

Escenografía: Marcelo Salvioli

Iluminación: Marcelo Salvioli y Jorge Brambati

Técnica de Luces: Julia Mayra Duarte

Diseño Gráfico: Martín Acosta - capear!

Prensa y Difusión: Kiako- Anich

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Los desechables

"¿Quién no pensó alguna vez en romperlo todo?"

Los desechables es la primer ficción de Nicolás Savignone, después de su trabajo debut, Hospital de día, de corte documental, en el que aborda con agudeza la problemática de la salud mental. Como el mismo Savignone señala, Los desechables nace de un taller de entrenamiento para actores y dramaturgos. Allí se originan los personajes de la película y su contexto. “Ensayamos un año y medio”, dice el director, y en ese proceso de maduración surgió la necesidad de fusionar el lenguaje teatral y cinematográfico, llevando este proyecto al cine.

El origen teatral de Los desechables se palpa. Una señal inequívoca es la estructura en capítulos. La película está contada a través de tres actos preliminares en los que se presenta a los personajes y sus conflictos, con un cuarto, en el que aparentemente confluirán las historias.

Lo que parecen ser los puntos en común entre las historias son, en primer lugar, la edad de los protagonistas: todos orbitan en esa brecha generacional de los treinta y pico, con sus búsquedas y frustraciones propias.

En segundo lugar, en los personajes, la seguridad parece tan absoluta como la desorientación. Y en este punto comienza a jugar la frase que acompaña al título de la película: “Una comedia crítica donde la única libertad posible parece ser la de elegir a los amos”. Sobre esto gira incesantemente la ironía y la problemática. El humor se produce llevando la desesperación al máximo. Marcos, Leo y Diego, los personajes centrales, creen comerse el mundo, han comprado la ilusión de ser libres y exitosos, de poder mofarse de la ingenuidad de otros, de haber hecho todas las reflexiones filosóficas necesarias. Sin embargo, los tres se ven inmersos en un conflicto de poder, pero un conflicto silencioso, solapado, que no revienta por los aires, sino que eleva más y más la tensión. Y allí cobra especial relevancia el título de la película, porque es desechable, en realidad, el sometido, aquel que “sólo puede elegir el amo”.

La figura del amo, en Los desechables, no tiene un rostro, sino muchos. Particularmente las mujeres, para los protagonistas, parecen ser tormentosas. Una aparece en la cama, una mañana, sin motivo aparente, casi como un fantasma. Otra da señas de noviecita celosa y obsesiva. La última es una esposa disconforme, avergonzada de su marido. Y creo que sobre estas escenas está el logro de la película: en mostrar la opresión en situaciones comunes y en un lenguaje cómodo y eficaz.

“¿Quién no pensó alguna vez en romperlo todo?”, dice uno de los personajes. Y lo dice como una ilusión de revelación, porque todas las historias confluyen cuando los personajes se presentan a trabajar y, una vez más, comienza el juego de poder. Allí, pareciera, habrá resolución. Los personajes están confinados en una oficina, interpelados, puestos al límite. Y a la vez tienen al alcance de la mano la posibilidad de salir, pero tendrán que reflexionar sobre el costo. Elegir libertad o encierro, otra vez. O más aún, considerar si existe la posibilidad de elegir.

El error será creer que se puede tener una respuesta. Porque a Savignone le interesa especialmente plantear los conflictos, es decir, exponer los nudos, mucho más que los desenlaces. Y en esa búsqueda, Los desechables es una alegoría perfecta del cazador cazado.

Los desechables fue filmada con el apoyo de Mink’a Media y la Universidad del Cine. Estrena el 13 de Febrero a las 20hs en Cine Gaumont, Espacio INCAA Km 0. Se proyectará también en Arte Cinema y Cine Cosmos (UBA).

Ficha Técnica:

Intérpretes: Maida Andreacci, Francisco Benvenuti, Miguel Bianchi, Mario Bodega, Ariel Bottor, Nacho Bassolo, Jazmín Cañete, Laila Duschatzky, Mariela Finkelstein, Sonia Martínez, Damián Salomón.

Dirección: Nicolás Savignone

Guión: Nicolás Savignone en colaboración con los intérpretes

Producción ejecutiva: Carla Secco, Nicolás Savignone

Jefe de producción: Lucas Lertora

Dirección de fotografía: Luis Andrade

Dirección de sonido: Marcos Zopi

Dirección de arte: Ornella Zampa

Música: Rafael Varela, Pablo Márquez, Ernesto Cantero (Exit Music Creative Group)

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Miel de Avispas sobre textos de Alejandro Urdapilleta

Miel de Avispas sobre textos de Alejandro Urdapilleta 

por Pamela S. Terlizzi Prina 

Acercarse a Alejandro Urdapilleta necesariamente será contradictorio, provocador, y abismático. Siendo espectador de Miel de Avispas, de Tino Tinto, se experimenta amor, odio, piedad y violencia en dosis similares, alternando sin aviso. Uno no puede dejar de imaginar la dificultad de elegir los textos, y más aún, la de llevarlos al escenario. Ahí es donde se advierte la titánica disciplina del director y de las tres actrices, Luciana Dulitzky, Juliana Ibañez y Adriana Monteleone para lograr representatividad, identidad y unidad. 

Un programa de radio espasmódico, Miel de Avispas, conducido por locutoras igual de odiosas, nuclea a los supuestos oyentes que luego devendrán en los cuatro cuadros escénicos logrados con belleza estética y fidelidad urdapilleteana. Claro que no se puede hablar de belleza en términos corrientes. Miel de Avispas explora la belleza grotesca, el humor nacido desde el peor de los dramas, la humanidad llevada hasta extremos insoportables, dolorosos, burdos, trágicamente cómicos. 

Los cuadros centrales están montados sobre los textos El alma sagrada de tus besos, La fabricante de tortas, La paralítica y La piedad, todos pertenecientes a Vagones transportan humo, de Alejandro Urdapilleta, y logran concatenarse y no defraudar en la enorme habilidad de resolución escénica. 

Estremece Luciana Dulitzky en La paralítica, mereciendo señalar la arrolladora pericia gestual, el dominio del clima, de la capacidad de componer una criatura inmensamente compleja en el minimalismo escenográfico y la brevedad del texto. 

“La casa la veo rara,/ todo es de sal,/ todo es blanco y blindado,/ ni muebles ni nada,/ perchas y moscones negros/ que cazo a zapatillazos/ y tiro en escupideras/ llenas de engrudo/ que como…” dice Juliana Ibañez, conmocionando, llevando por primera vez este texto a las tablas. Lo dice y se toca obscenamente, convertida en un hombre sórdido, cínico, implacable.

El silencio de Mariluz, en el cuerpo de Adriana Monteleone, dice a gritos, aturde. Sobrelleva un mutismo interminable con destreza y exactitud en los climas. 

Es evidente que Miel de Avispas supera en resultado la suma de las partes. Hace una propuesta ambiciosa, que no queda en el mero escándalo. Y además, que no defrauda a quien va con sed de Urdapilleta. 

Ficha artística: 

Elenco: Luciana Dulitzky, Juliana Ibañez, Adriana Monteleone. 

Dirección: Tino Tinto 

Sala La Clac 

Avenida de Mayo 1156, CABA 

Sábados 23hs

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Misión Aurora I - Teatro Orlando Goñi

Misión Aurora I

de Carolina Buratti

Teatro Orlando Goñi

Cochabamba 2536, CABA

Domingos 20hs – Sólo con reserva

por Pamela S. Terlizzi Prina

Pienso en aquello de “la argentinidad al palo” para describir a Misión Aurora I, la nueva obra de El Mito de la Tarasca, dirigida por Carolina Buratti. Pienso en la Bersuit murguera de aquella época y aunque ese grito se emparenta con lo que pasa arriba del escenario, a mi me queda gusto a poco. Porque Misión Aurora I da los guiños necesarios para que la sangre argenta se nos suba a la cabeza y podamos decir que es un humor para nosotros, puertas adentro, hablando del fernet, la yerba mate y el asado, pero se me ocurre que esta puesta se adapta a cualquier sociedad dispuesta a reírse de si misma. En lugar de fernet será utzo, y el asado será remplazado por paella, pero en cada rincón del planeta imagino al equipo de Misión Aurora I intentando salvar su porción de mundo.

La historia narra el plan propuesto por un grupo de militares que advierten que Argentina se hunde y en poco tiempo más será solamente agua. De ahí las ideas y las dificultades propician un gag tras otro, sin respiro.

Con un humor llano y efectivo, con absoluto equilibrio entre libreto y actuación, prescinden de toda pose, e ironizan sobre la autoridad, el machismo, la burocracia, el veganismo (¡tan temiblemente de moda!) y la obediencia. Hay que remarcar lo notable de la música en vivo, en manos de Julián Peralta. También se debe destacar el trabajo de luces, de Pétalo Selser, que, sin grandes artilugios, propicia los climas exactos.

Dan gusto las carcajadas del público, a veces con fallidos intentos de camuflaje para no irrumpir en las escenas. Da gusto, además, advertir que toda la obra está puesta al servicio del espectador.

Finalmente, no se puede omitir un merecido halago para las empanadas de la barra del Goñi. Porque sí, para después, resulta imprescindible un fernet con empanadas. 

Ficha artística:

Elenco: Georgina Mazzotta, Luisa Novo Foti, Dadu Viar, Emilce Galarraga, Carolina Buratti, Facundo Pirola, José Rodríguez, Martiti Góme, Julián Moretto, Ronnie Crispo

Música original: Julián Peralta Músicos: Alicia Alonso, Federico Maiocchi, Sebastián Acuña, Julián Peralta. 

Técnica: Pétalo Selser

Escenografía: Marcela Lezama, Camila Martino, Laura Pérez Guillén Karl Zsazsa, Maile Mateo, Nancy Vergara

Maquillaje: Juli Seras

Vestuario: Valeria Martino

Dirección de Arte: Fibonacci Producciones

Producción: Fibonacci Producciones y Teatro Orlando Goñi

Asistencia de Dirección: Valeria Martino

Dramaturgia y Dirección: Carolina Buratti

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El Club de los Voyeurs - Candelaria Frías

Tuve la suerte de escribir la contratapa de "El Club de los Voyeurs", de Candelaria Frías (poesía, Textos Intrusos). Aquí su texto:

"Decía Goethe que pensar es más interesante que saber, pero menos interesante que mirar, y Candelaria Frías lo sabe y tiene la fórmula para decir ese placer con palabras. Pero no sólo nos cuenta del fisgón, Candelaria redobla la apuesta y nos cuenta que no hay espía sin espiado y que en el momento que el espiado se regodea en mostrarnos su intimidad, logra espiar dos veces. Con verbos filosos, con polémica, con palabras meticulosamente elegidas para decir más de lo que dicen, El Club de los Voyeurs nos invita a acercar el ojo a la mirilla y a desvestirnos frente a una cámara. Porque nadie existe si no es visto, si no se desnuda con una honestidad dudosa, de cotillón o de gala, mostrando una verdad elegida, soberanamente elegida por sobre cualquier verdad meticulosamente articulada. Candelaria logra poemas modernos, capciosos, erotizantes, ventrales. Pican en la lengua y en los ojos. Consigue que todos anhelemos ser amantes de Perra Delirio, de Belle de Jour, de Retrovil y Madame Rivau, sus personajes convulsos, filmados, fotografiados, paridos a un mundo donde todo se muestra y se pinta con rouge. Candelaria le abre la boca a la literatura y las piernas a la cámara; el obsequio es que todos podemos estar detrás del obturador, contagiándonos con esa voluntad espuria de mirar y ser mirados, invitándonos a una orgía de labios pintados, embarazos oníricos, besos en París y sangre. El aburrimiento se cura con curiosidad, la curiosidad no se cura con nada, decía Dorothy Parker, y El Club de los Voyeurs no tiene cura."

El Club de los Voyeurs fue presentado el 15 de Noviembre de 2013 en la Scala de San Telmo. El evento tuvo cierre con la obra de teatro "Narco Naif, elogio de un fracaso", protagonizada por la autora y Ana Livingston, junto a Andre Martínez Pirez, Melina Abagianos, Zuleika Esnal, Axel Springer y Soledad San Emeterio.

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Para que nada sea - Poemario de Mariano Díaz Barbosa

El yo como materia poética

Para que nada sea

Mariano Díaz Barbosa

Editorial Textos Intrusos, 2013

Poesía, 95 páginas

por Pamela S. Terlizzi Prina

Un cita inicial de William Shakespeare en Otelo, que dice “Soy el que no soy”, nos anticipa el magma con el que Mariano Díaz Barbosa teje el entramado de su poesía. En este libro el yo no huele a la naftalina del “yo lírico”. Es, desde el más estricto sentido heideggeriano, la radical reducción de la realidad al ser. Díaz Barbosa sabe que si no se es, nada es. Porque en la vida real, la distópica, se es a expensas del medio, a expensas de la vida, de la propia vida y de la propia muerte. Que ser, ineludiblemente, fagocita. “Yo hasta que no haya nada/ (…) // Que muera yo, que no resucite en árbol, que muera siendo bien yo y cuando muera exprimirle los milagros”. Con este filo conceptual y semántico, nos sitúa en un posmodernismo voraz, en el que no hay lugar para el esteticismo superficial, donde la intimidad del poeta pone fin a la utopía, entregándose a la introspección.

Aún así, descomponiendo la frontera entre el sujeto y el objeto, el llamado a los elementos cotidianos nos obliga a quedarnos inertes en la silla, leyéndolo, porque advertimos que sus planteos no discurren en una atmósfera teórica, que la materia de la soledad, que la nada que aturde y produce ojeras tiene lugar en la rutina, en los pequeños rituales diarios, en la más insignificante muestra de habitualidad: “el pijama y la televisión, y las corridas, y los cuerpos en el suelo, y los asesinos disfrazados de policía, y los muertos, y los muertos/ (…) //… cuando apago la televisión aún sigue un muerto en la pantalla”.

Díaz Barbosa se propone romper el equilibrio, y lo logra. El lector no puede permanecer indiferente a la desmesura, a la repetición que se vuelve elíptica, mudando en cada curva a la víctima y al verdugo; esa misma repetición que nos hace pensar en Paul Celan, en una lengua que dice desesperación hasta la asfixia, porque la desesperación está dicha con la porción sonora, musical del lenguaje; con lo que retumba en el cerebro a la vez que nos permitimos el mareo y la pregunta y la honestidad.

En Para que nada sea la estructura -ya sea verso o prosa-, los recursos retóricos, e inclusive, por momentos, la ausencia ensordecedora de silencios producen una ruptura de sentido a la manera estridentista: “Nací y no sabía que el Ser era arrancado de los cuerpos arrancados de los pedazos arrancados de verdad arrancada de los pedazos de Ser arrancados / del Ser arrancado / del Ser arrancado del cuerpo/” Asimismo, no se conforma con esto, porque este libro no busca escandalizar, polemizar superficialmente, llamarnos a un lamento sobre las miserias ordinarias, no. Díaz Barbosa teje esta consternación desde la fría certeza de la irrevocabilidad, por eso puede ensuciarse, renunciar a una obra aséptica, perfeccionista, para levantarse contra la sociedad egoísta, apática, aburguesada, envilecida, estereotipada. Por eso puede hablar de la brutalidad del hombre, de las argucias de la verdad: “Soy un todavía. / Soy un todavía lleno de mis futuras muertes. / Soy lo que me sobreviví. / Soy lo que me sobrevive al apetito / (…) //Al apetito siempre ligado al que devora, al que devora todo lo que no es él, al apetito que es el yo que devora / Tengo miedo.”

Me permito, finalmente, la sorpresa por el agradecimiento inicial del autor, porque dice “por convencerme de que puedo escribir poesía”. Me permito la sorpresa porque nada me hace pensar que Mariano Díaz Barbosa alguna vez no haya podido escribir poesía. Es tan claro el forzamiento de la palabra, la pulsión reflexiva, el romance con el lenguaje, que parece improbable la duda, que se vuelve, la suya, una voz imprescindible. Por lo filosa, lo aguzada; porque revela el conocimiento que apuntala cada poema. Porque el hilo que trama el espeso camino para transitar Para que nada sea está hecho de un lamento quebrado, honesto, desnudo, que lo convierte en una obra imposible de ignorar.

Noviembre de 2013

Pamela S. Terlizzi Prina

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